瞿廣慈則慣以戲謔、嘲諷的藝術手法，對社會性、政治性議題提出關注與批判。此次創作瞿廣慈以純錫材質重新製作 2010 年的作品《吾本木》，與向京的《我們》共同營造出寧靜的情境氛圍，共譜雕塑藝術的詩意美學。
對於向京和瞿廣慈而言，藝術創作都是極為個人的自我表述，每個藝術家心中都有明確且不可被輕易跨越的界線，即使是夫妻之間也一樣。這次應邀和林秀偉、吳興國一同合作，雕塑和舞蹈的跨界，足足橫跨了兩年，中間經歷了無數次的討論、磨合與妥協，才成就這次合作的成功。這 700 多個日子中，兩個人是如何和自我拉扯，才得以適當的姿態，參與這個屬於「我們」的作品，故事是如何結尾的，還有什麼沒有說完的，就讓他們回歸自我，娓娓道來。Q：可否先跟我們談談對於這次 Art For The Masses 主題「我．我們」的想法？
向：「我‧我們」不是一個命題式的題目，是個相對廣泛的題目，可以表現的意思很多。而「個體」和「群體」的概念，幾乎就是這次合作的形態，既要保持個體性，又要有一個合作的共同點、理由。如果從更大的層面來講，我們在社會當中也是這種狀態。每個人都有獨特性，但也需要在社會中存活下來，無法擺脫社會性，所以群體也是個人用來面對自我的一種參照。
瞿：我覺得這個主題的中心點就是「妥協」。「我」是一個自我，「我們」是由無數個自我捏合在一起，成為一個共性的關係。人本來就不一樣，即便是夫妻。至於藝術創作，每個人都有自己完整的系統，這次的合作，是把四個不同的系統兜攏成一件作品，其中就包含許多智慧、挑戰，還有讓步。Art For The Masses 辦了幾次，我想這次應該是最難的。
Q: 困難的地方是什麼？
向：其中一個原因就是我們對於雕塑的實現度與完整度要求非常高。現在這個成品，其實跟當初的設想相差非常大。
瞿：中間 MOT/ARTS 也做了很多不同的嘗試，經過無數次討論，還找了歐洲和日本的設計師，但我們還是覺得不行。老實說，海峽兩岸還是有蠻大的文化差異，可以透過這次的合作，在其中找到一些文化上的認同，與彼此對這件作品的認同，就挺不容易的。
Q：怎麼看待這次「跨界」的合作方式？
瞿：跨界現在算是一種時髦的作法，我覺得跨界是可以的，很多東西要打破才能重建。但是，怎麼跨？不能跨得匆促，要思考得充分，一加一要大於二，因此跨界前要想清楚。
向：在這方面，我和廣慈就很不一樣，我對跨界的接受度是很低的。在我的認識裡，你要先在自己的領域，做到一定高度，有足夠的專業，然後再和他人結合，產生一個新的作品。我反對現在太過頻繁的跨界，如果只是為了贏得媒體關注，這是一種時尚化的表現，但是不容易達到思想交流或是文化深度的擴展。
Q：怎樣的跨界容易表面化？
向：如果大家只是為了跨界而跨界，去做了不熟悉的事情，或是把兩位完全不搭嘎的創作者放在一起，不見得會創作出更好的作品。我認為，跨界是要對原先的領域有一個衝擊，或是補強，才可以創作出更新穎的作品。如果沒有這樣的前提，跨界其實是非常表面的，很容易就變成一個「事件」。我們這個世界太容易產生這種「事件」了，大家炒個話題就過去了，作品不會留在歷史裡面。所以這次的 Art For The Masses，和前幾次比起來，應該是藝術家參與最深的一次。因為，如果我們是很好說話的創作者，可能就會做了一個還可以的作品，但那只會是個噱頭。
瞿：就像這次是雕塑家和舞蹈家的合作，也是兩對夫妻的合作呀，這樣很有話題性。
向：但是在話題之外，還是有很多方式可以說出有意思的故事，真正的關鍵是能不能產生好的作品，我不會說這次是個完美的跨界，但是我相信這是一個有價值的跨界，因為我們真的非常投入，這樣的過程是很有意義的。如果這次合作，對我沒有刺激，不能打破我的認知或是可能性，那有什麼意義呢？
Q：那麼，請談談這次的合作產生了哪些刺激與可能性？
向：其實在討論的過程中，有很多想法很好玩，像最後作品以老電影的概念呈現，就是我們一起想出來的，這種概念和裝置技術上的表現，就還挺有意思的。
Q：剛剛提到「不是完美的跨界」，是什麼意思呢？
向：可能我是一個有強迫症的人，每次創作都希望更趨於完美，但是在合作上，很多事情就是「折衷」，有時候想要達到某種效果，但在有限的時間和資源是做不出來的，不過我也期待這種合作方式有爭吵、衝突，因為不碰撞，其實也是沒有意義的。
瞿：所以有意思的地方，就是合作上的難度，純粹的話就不需要跨界，真正的價值就在於一種「融合」。
向：對，融合，用各種方式讓你改變了你的想法。
Q：向京這次重做《我們》，和之前作品相比，有什麼樣的改變？
向：《我們》原本是件很嚴肅的作品（下圖左上）。而這次的創作，我想完全改變這件作品的氣質，讓產品感更強，本來是想做更情色一點的東西，甚至還想找日本的工匠來做這個作品，因為日本在情色的表現上，是很突出的，雖然後來沒實現，但還是盡量接近這個想法。
Q：為什麼會有這樣的轉變？
向：情色主題一直是我感興趣的，只是還沒開始做，是一種語言的嘗試。我也覺得這次吳興國和林秀偉的舞蹈有這種成份，所以我想這樣會產生有意思的連結。
Q: 瞿廣慈這次的作品有什麼樣的改變或突破嗎？
瞿：唉呀，老實說，不突破都不行呀！這次的挑戰真的很多，你別看只是個造形、幾隻鳥，我將原作《吾本木》（下圖左上）的木頭材質轉變成金屬，差別其實很大。我也思考過為什麼可以做這樣材質的轉變？因為在原作中，鳥是一個主體，而現在鳥變成一個環境，有點情景化，打破了原來的意義，所以我才覺得換了材料也是可行的。
向：而且這次的作品，是更有層次的。作品外在好像很抒情，有鳥、有環境，然後兩個人很輕弱地存在著，但是再慢慢看，人的神情又有一種內在的精神。打開抽屜後，就會覺得，這太內在了（笑）。
Q：既然此次展覽主題為《我‧我們》，因此也想問問兩位會在創作時進行交流嗎？比方說經過工作室的時候，剛好看到對方的作品，給一些建議？
向：沒有，不會交流，只有經過，哈！
Q：但是在展覽現場播放的影片中，好像有彼此交流的部分？
瞿：那是影片嘛（笑）。
向：都是約好的（笑）。
瞿：不過，她都對我封殺消息。有時候我想瞭解一下，她都不肯，後來別人都知道了，只有我還不知道！不過，我也覺得沒有必要知道，大家都是獨立的個體。當我們是同學的時候，創作有很多相似的部分，但我覺得這樣不好，後來就各做各的。我覺得夫妻之間，可以做的就是鼓勵，還有其他方面的幫忙，不一定要在藝術創作上有什麼幫助，這樣不會比較好。Q：不過，反觀吳興國、林秀偉兩個人就像是創作共同體，你們的情況好像和他們相反？
瞿：對，他們必須要這樣的。
Q:「身體」是這次雙方創作的共通性，是否就身體的角度來詮釋這次作品「動（舞蹈影像）」與「靜（雕塑）」的結合？
向：常常有人形容舞蹈是動態的雕塑，雕塑是靜態的舞蹈，這當然是一種很浪漫的形容與想像。但是，實質上，這是兩個不同的形態。創作者選用一種媒介創作，一定是因為這個媒介特有的語言與屬性，所以雕塑和舞蹈表現身體的方式，一定不一樣。
瞿：我也覺得雕塑和舞蹈是很不一樣的。雕塑是在一個永恆的狀態，凝固的、完全靜止的，舞蹈則是一個動態的轉變，兩種完全不一樣。
向：其實從人類文明開始，雕塑就存在了，是一種非常古老的形式。但是，當代藝術的媒介如此多樣，非常開放，我們也常常思考、懷疑，雕塑還有存在的必要嗎？一定要堅持雕塑的本體價值嗎？是不是要更多元一點？什麼是只有雕塑可以做的？為什麼一定要用雕塑？如果是捕捉身體的一個形態、一個動作，為什麼不用其他方式，而是雕塑？當我們做雕塑做了快二十年的時候，就真的在想這些命題。
今年向京在台北當代藝術館舉辦大型個展，透過雕塑作品，探問「這個世界會好嗎？」。（Photograph by 張慧慧）
Q：為什麼會對雕塑存在的必要性有這樣的反思？
向：這是個大問題，我可能會花幾年的時間，用整個展覽的系列作品來回答這個命題。對於做雕塑的人來說，這真的不是容易說清楚的，我們到現在都還在想「做雕塑的意義」是什麼。
Q：所以答案就在未來的展覽中？
向：對對對，哈！
編輯/劉宏怡
